Georg Karner

Was Kunst war ...
Damit Kunst überhaupt erst entstehen kann, muss der kunstschaffende Mensch Ressourcen übrig haben, die er nicht dazu aufwenden muss, sein Leben zu erhalten. Ihre Anfänge sind wohl bereits in der menschlichen Urgeschichte zu suchen, als der Mensch begann seine inneren Bilder nach außen zu projizieren und versuchte die Welt im Bild zu bannen. Es mag einige geben, die darin keine Kunst sehen können oder wollen, doch lässt sich nicht bestreiten, dass wir mit den ersten Höhlenzeichnungen, Kunst- und Kultgegenständen Zeugnisse ersten küntlerischen Ausdrucks vorliegen haben. Mann könnte hier sogar noch weiter gehen und sagen, dass manches, was in den letzten Jahrhunderten als Kunst angesehen wurde und nach wie vor wird, eher dem Handwerksbegriff unterzuordnen ist und viel weniger als Kunst gelten kann, als diese ersten Formen künstlerischen Wirkens. Denn zweckfrei ist Kunst, auch wenn es von manchen noch so oft und nachdrücklich behauptet wird, fast nie.
     Blicken wir ins Mittelalter, sehen wir fast ausschließlich christliche Themen und Motive. Kunst diente in dieser Zeit nicht zuletzt auch der Glauebnslehre und ihrer Verbreitung in den weitestgehend analphabetischen Gesellschaftsschichten. Alphabetisierung und die Kenntnis der damaligen lingua franca, Latein, waren in erster Linie den geistlichen, in geringerem Ausmaß auch den weltichen Eliten vorbehalten. Die christlich (katholische) Lehre musste so hauptsächlich in Wort und Bild kommuniziert werden. Ausdruck dessen sind die zahlreichen Bildnisse der göttlichen Trinität, Jesus Christus, der heiligen Jungfrau Maria und anderer Heiliger, die Altarbilder sowie Illustrationen der Passionsgeschichte und anderer biblischer Geschichten aus dem Alten wie Neuen Testament. Die Arten und Techniken der Darstellung können dabei höchst unterschiedlich sein. Bei Kunst dieser Art wirken Zweck und Inhalt des Kunstwerks schwerer als der individuelle und/oder neuartige Ausdruck des Künstlers. Künstler des Mittelalters waren in erster Linie Kunsthandwerker, die Aufträge annahmen und ausführten.
     Diese Feststellung soll keinesfalls als Abwertung oder unangebrachte Kritik aus heutiger Sicht verstanden werden. Kunst kann im Laufe der Zeit und in anderen Kontexten Bedeutungsänderungen unterworfen sein und wird auch stets neu und anders rezipiert. Gleichzeitig muss sie aber auch aus der Zeit und dem Kontext ihrer Entstehung heraus verstanden werden. Ein wesentliches Kennzeichen herausragender Kunst aber war und ist, damals wie heute, die Innovation in technischer, stilistischer, inhaltlicher, thematischer oder zweckgebundener Hinsicht.
     Manchmal entsteht Innovation aus kontextuellem Zwang oder kontextueller Möglichkeit, wenn sich gewisse Basisgrößen der bisherigen Kunstproduktion verändern. Mit den architektonischen Änderungen von der Romanik zur Gotik mussten sich auch die künstlerischen Ausstattungen der Kirchen ändern. Durch die starke Vergrößerung der Kirchenfenster wurden große imposante Wandmalereien unmöglich. Die neu gewonnen Fensterflächen boten hingegen ganz neue und andere Möglichkeiten künstlerischer Gestaltung. Ebenfalls in der Gotik wurden die Altäre zu Flügelaltären weiterentwickelt und förderten so die Entstehung der Tafelmalerei - also der Malerei auf festem, ebenem, meist grundiertem, eigenständigem Untergrund - die eine Alternative zur nunmehr stark eingeschränkten Wandmalerei bot.
     Anders kann Innovation aber auch aus künstlerischer Kreativität, gepaart mit dem starken Drang eigene künstlerische Ausdrucksformen zu finden, entstehen. Dies muss nicht mit einschließen, dass man als Künstler jemals seinen finalen Stil, seine finale Ausdrucksform findet. Vielmehr kann es sich dabei um einen andauernden Prozess handeln, in dem die künstlerischen Techniken laufend den sich ändernden Ansprüchen angepasst werden. Immer wieder führten besondere Innovationen zu Revolutionen in dem, was unter Kunst verstanden wurde und dem, wie Kunst produziert wurde. Caravaggio begründete und prägte um die Wende vom 16. auf das 17. Jahrhundert, gemeinsam mit Annibale Carracci, die römische Barockmalerei durch seinen unverblümten Stil und seine markanten Arrangements aus Licht und Schatten, die vor allem kompositionell eingesetzt sind und nicht von realen Lichtquellen ausgehen. Seine Bilder werden dominiert von starken und scharfen Kontrasten - Bildelemente werden teilweise durch grelle Lichter überstrahlt oder verschwinden vice versa im Dunkel der Schatten, wodurch seine oftmals reduzierte Umgebungsdarstellung noch verstärkt wird. Niemals verklärt hingegen sind seine realistisch gemahlten Figuren und Arrangements.
     Sein mit Weinlaub geschmückter Jugendlicher Bacchus (um 1595) lehnt mit gelangweiltem Blick auf einer schmuddeligen Bettstatt, ungemacht und mit hervorblitzender Matratze, grau mit blauen Streifen. In der um 1600 entstandenen Berufung des hl. Matthäus ist dieser als Geldverleiher dargestellt, der, in gebeugter Haltung auf einen Tisch gestützt, sein Geld nachzählt. Sein Blick ist ernst und stumpf - würde man das Geld gegen einen Krug austauschen, könnte man ihn genauso gut für einen Betrunkenen halten. Trotz seiner zeitgemäßen Darstellung - nicht nur durch seinen Stil, sondern auch durch die zum Teil barocke Ausstattung seiner Figuren und Räume - und seiner unbestrittenen Neuerungen in der malerischen Darstellung, ist Caravaggio aber stets klassischen Sujets aus Antike und Bibel verpflichtet geblieben. Gerade in seinem Spätwerk verarbeitete er fast nur noch religiöse Themen.
     Obwohl es auch schon im 17. Jahrhundert deutliche Elemente der Reflexion des Kunstwerks als etwas Künstliches und vom Künstler Geschaffenes gab, wie wir es etwa in Jan Vermeers Allegorie der Malerei (um 1663-1665) finden, bleibt das behandelte Thema noch für geraume Zeit die dominierende Größe in der Kunst. Erst ab der Mitte des 19. Jahrhunderts begann sich dieses Kunstverständnis radikal zu verändern, als sich einige französische Künstler gegen die akademischen Ideale der Ähnlichkeit mit dem Abgebildeten und des edlen und/oder lehrreichen Charakters des Kunstwerks sowie die damit verbundenen Restriktionen und Sanktionen des andersartigen Kunstschaffens aufzulehnen begannen. Diese Künstler, unter ihnen Monet, Renoir, Degar, Cézanne, Morisot, Pissaro, Sisley u.a., lösten sich vom Diktat der Akademie und nahmen es selbst in die Hand, ihre Kunst auszustellen. Eine erste Ausstellung fand 1874 im Atelier des Fotografen Félix Nadar statt und zeigte zum ersten Mal Kunst, in der es vorwiegend um die Form des küntlerischen Ausdruck ging, die sich an dem orientierte, was gesehen wurde und welcher Eindruck dabei im Moment des Sehens entstand. Dies führte nicht nur zu einer revolutionären Veränderung des Malstils, sondern auch zu einer Abkehr von den traditionellen Motiven der Renaissance und einer Zuwendung zu modernen Szenerien.

Kunst heute
Die Impressionisten stießen mit ihrer Abkehr von der akademischen Diktatur einen Stein an, der einen ganzen Hangrutsch zur Folge hatte und die Vielzahl verschiedenster Kunststile und -strömungen im späten 19. und gesamten 20. Jahrhundert erst denkbar und möglich machte. Kunst wurde frei und entzog sich, zumindest in ihren jeweiligen Anfängen, der Kanonisierung. Was aber war nun Kunst? Eine völlig berechtigte Frage, nachdem nicht mehr die Gremien der Akademien der Künste darüber entschieden, sondern die Künstler und Künstlerinnen ihre Kunst selbst behaupteten. Einige künstlerische Strömungen institutionalisierten sich und untermauerten ihren Kunstanspruch auf diese Weise. Beispiele dafür sind die Wiener Secession, die staatliche Hochschule für Kunst, Kunsthandwerk und Industriedesign Bauhaus oder die private Hochschule für Gestaltung (hfg) in Ulm, die allesamt gesamtgesellschaftlich revolutionär waren, in sich aber vielfach strenge Konformität forderten. Wie diese, formulierten auch andere Strömungen ihre künstlerischen und zum Teil gesamtgesellschaftlichen Vorstellungen in Programmen und Manifesten und erreichten dadurch, wenn auch nicht so stark, ebenfalls einen gewissen Grad an Institutionalisierung.
     All diese Einrichtungen, Gruppierungen und Strömungen blieben - und bleiben auch heute noch - elitär. Nur ein verhältnismäßig kleiner Kreis von Personen war und ist mit der Vielzahl künstlerischer Ausdrucksformen und ihren Hintergründen, oder zumindest einem Teil davon, vertraut. Die breite Masse derer, die Kunst, in welcher Form auch immer, rezipieren, ist dies wohl nur in Ansätzen und greift vielmehr auf ein Bewertungssystem zurück, das auf Wohlgefallen und Missfallen beruht. Die restlichen, kunstuninteressierten Personen sind gänzlich diesem Trivialsystem unterworfen. Es ist daher absolut verständlich, dass moderne und zeitgenössische Kunst vielfach bezüglich ihrer Kunsthaftigkeit hinterfragt wird: "Das kann ich selbst aber auch." "Meine dreijährige Tochter malt schönere Bilder." "Was soll daran bitte Kunst sein?" "Wem gefällt denn sowas?"
     Gemeinsam mit den Stilen und Zugängen hat sich auch das Verständnis von Kunst gewandelt. Kunst wurde vielfach schwieriger, ist nicht immer auf den ersten, zweiten oder gar dritten Blick verständlich, wurde komplexer, reflexiver und beinhaltet oftmals mehrere Metaebenen. Kunst ist in diesem Sinne elitärer als je zuvor, woran auch Versuche, Kunst massentauglich und reproduzierbar zu machen, wie es etwa Vasarely anstrebte, nichts änderten und ändern.
     Kunst von heute darf sich nicht mit Wohlgefallen und handwerklicher Brillianz begnügen. Dies alleine macht Kunst nicht aus. Zu viel ist bereits da gewesen - ob in der Malerei oder den anderen bildenden Künsten. Kaum noch, wenn überhaupt, gibt es Momente des durchdringenden Erschauderns ob der Neuartigkeiten des küntlerischen Ausdrucks. In einer Zeit, in der wir bereits so viel gesehen haben und so leicht sehen können wie nie zuvor, erscheint selbst das Neue vertraut. Kunst braucht, mehr als je zuvor, Inhalte und Aussagen, um als Kunst gelten zu können, muss aktiver als je zuvor zum Nachdenken anregen und darf, trotz allem, immer noch gefallen.

Meine Kunst
Der Grundstein meiner Werke ist zumeist eine Idee. Nur selten passiert mir ein Werk, wird nachträglich künstlerisch beseelt; vielmehr passieren mir Ideen. Sie erfordern keine Planung, sie kommen schnell und unverhofft. Sie entstehen auf vielfache Weise: Einmal treffen sich Gedanken und bündeln sich zu jener Idee, die ein Kunstwerk ausmacht, ein anderes Mal birgt ein äußerer Reiz, eine Wahrnehmung, ein unnütz gewordener Gegenstand den notwendigen Impuls. Anderes wiederum erwächst aus dem Diskurs mit Freunden und Kollegen - seltener eine Idee als eine konkreter gewordene Vorstellung ihrer Umsetzung. Eines ist aber trotz allem klar: Ideen bedeuten Arbeit. Setzt man sich nicht mit ihnen auseinander, befindet sich nicht fortwährend im künstlerisch-schaffenden Prozess, beginnen sie weniger zu werden und klopfen nur noch sporadisch an. Aktive Auseinandersetzung fördert die Ideenproduktion.
     Ideen verlangen nach Umsetzung. Dies ist der Punkt, an dem ich nach Möglichkeiten suchen muss, um meine Ideen verwirklichen zu können. In der Vorstellung scheint manches zuerst ganz einfach und klar; erst wenn ich daran zu arbeiten beginne, eröffnen sich mir die Unebenheiten und zum Teil tiefen Gräben, die Vorstellung und Wirklichkeit voneinander trennen. Bekanntlich funktioniert nicht immer alles so, wie man es gerne hätte. Dennoch: Ich bin nicht bereit maue Kompromisse einzugehen. Eine gute Idee ist es Wert gut umgesetzt zu werden und darf nicht der Bequemlichkeit oder unangebrachter Eile zum Opfer fallen. Manche meiner Werke entstehen ganz schnell, während andere länger auf ihre Fertigstellung oder gar Inangriffnahme warten müssen. Die Qualität des Werkes, oder was ich dafür halte, steht für mich, neben seiner Aussage, an oberster Stelle.
     Mein Verständnis von Qualität setzt sich aus drei Aspekten zusammen: Aussage, Wirkung und handwerkliche Leistung. Sind die ersten beiden nicht gegeben, kommt es auf den letzten auch nicht mehr an. Ich möchte dies am Beispiel meiner Textbilder veranschaulichen. Rein technisch gesehen ist es kein Problem ein Bild aus Text zusammenzusetzen. Jede und jeder, der bzw. die sich der entsprechenden Techniken bemächtigt, wäre dazu in der Lage. Doch es gehört mehr dazu, um daraus ein Kunstwerk zu schaffen. Nicht jedes beliebige Bild als beliebiger Text dargestellt, kann als Kunstwerk, nicht einmal als Kunsthandwerk bezeichnet werden. Text und Bild müssen miteinander eine Beziehung eingehen, sich wechselseitig bedingen und erst in ihrer Symbiose den vollen Charakter des Kunstwerks zum Ausdruck bringen. Sie müssen etwas aussagen, das erst durch ihre Kombination in dieser Wirkmächtigkeit möglich wird. So paaren sich Aussage und Wirkung zu etwas hoffentlich Großem, dessen Unterbau und Fundament die technisch-handwerkliche Arbeit ist. Ohne die dem Kunstwerk entsprechende handwerkliche Leistung ist das Kunstwerk an sich nicht vorstellbar, doch sie alleine verliert jede künstlerische Bedeutung. Kunst muss letztlich bewegen.
     Meine Kunst besitzt mehrere Bedeutungsebenen und reflektiert sich manchmal in sich selbst. Sie spielt mit zahlreichen Referenzen, die oftmals nicht auf den ersten Blick zu erkennen sind. Sie soll ihre Betrachterinnen und Betrachter zum Nach- und Weiterdenken anregen, ihnen neue Perspektiven erschließen, sie inspirieren. Meine Kunst braucht, wie jede Kunst, Menschen, die sie rezipieren. Gerade deshalb lege ich viel Wert auf aktive Teilnahme, mache Kunst, die erst durch Interaktion ihre Wirkung und volle Aussage entfaltet. Was wäre mein Kunst schon wert, wenn nur ich selbst sie sähe?